“OXYGEN”, LA OBRA MAESTRA DE JEAN MICHEL JARRE

“Oxygen” es una OBRA MAESTRA ABSOLUTA. Y  el álbum más conocido y vendido de Jean-Michel Jarre.

Contrariamente a lo que muchos creen, este no es su primer disco, el primero  “ Deserted Palace ” en 1972, y “ Les granges brûlées ” en 1973), pero es el que le dio a conocer al gran público y el que marca el comienzo. de una carrera extraordinaria en lo que fue, durante mucho tiempo, el pequeño gran mundo de la música electrónica.

Entre unos discos de experimentos sonoros poco accesibles ” y su trabajo como productor y letrista de cantantes de variedades, “Oxygène” llegó en 1976 como un OVNI discográfico , en un paisaje sonoro internacional dominado por el punk y la música disco.

¿Cómo nació este álbum coherente y atemporal? ¿Cómo lo diseñó Jarre a pesar de los recursos limitados involucrados? ¿Cómo tuvo éxito en su desafío de unir el enfoque experimental y la cultura pop con instrumentos electrónicos  y un estilo electrónico que no estaba muy anclado en el panorama musical de la época?

La música electrónica encuentra su origen en los años 20 con en particular la incongruente invención del Theremin . Si bien compositores como John Cage, Pierre Schaeffer , Karlheinz Stockhausen utilizan máquinas de los años 30 y 40, habrá que esperar a finales de los 60 y principios de los 70 para que la música electrónica se democratice tímidamente en los hogares con accesos más accesibles. obras a menudo nacidas de bandas de rock reconvertidas.

En esto, 1974 fue un año clave con dos grandes discos de Alemania: “ Autobahn ” de Krafwerk y “ Phaedra ” de Tangerine Dream , que no  se le escaparon a Jean-Michel Jarre 

“Phaedra” de Tangerine Dream y “Autobahn” de Kraftwerk

Y decía Jean Michel Jarre:

“Solo me interesaba Tangerine Dream desde “Phaedra” en 1974; antes de salir de Ligeti, Penderecki, Stockhausen, solo los veía como una banda de rock. Yo estaba en Reims en 1974 cuando dieron este concierto en la catedral, fue genial, a mi padre Maurice  papa no le gustó tanto, los prohibió.  A Kraftwerk los descubrí con “Autobahn”. Pensé que seguro que era un grupo californiano que canta en alemán, ¡me pareció genial!”.

https://youtu.be/iukUMRlaBBE

Y aclara sus “comienzos electrónicos:

“Habiendo pasado por Stockhausen, por Pierre Henry, sentí que había algo que nos pertenecía, que era parte de nuestro propio ADN sonoro. Algo que no fuera jazz o rock, que los adoraba a ambos, y que quería expresar absolutamente, sin tener la menor idea de si podría funcionar o no”.

A pesar de algunos intentos tempranos de grabación ( La cage , 1971, Deserted Palace , 1972, Les Granges Brûlées , 1973), Jarre, a pesar de todo su ingenio, se encontró rápidamente con los límites sonoros de los dos únicos instrumentos que entonces se sentaban entronizados en su apartamento. , el sintetizador VCS 3 de EMS y el órgano Farfisa Professional , y un procesamiento de sonido que se reduce a los ecos de sus grabadoras Revox.

Y recordaba:

“En ese momento, tenía un estudio en la cocina de mi departamento ,cerca de los Campos Elíseos]y estaba experimentando con sintetizadores y grabadoras. Pero nada decisivo estaba sucediendo. Creo que esos dos primeros álbumes “Deserted Palace” y “Les Granges Brûlées” vendieron alrededor de 100 copias…, lo que podría considerarse un número razonable en estos días”.

El jefe de su compañía discográfica, Francis Dreyfus , le ofreció entonces asociarlo con Christophe , quien también estaba bajo contrato con él. Con Christophe, y con Patrick Juvet , Jarre descubrirá otros instrumentos, como el Eminent y sus capas de cuerdas, y sobre todo aprenderá las técnicas de producción y estudio que hacen sonar un disco. En los estudios Ferber junto a René Ameline , o en los estudios Wally Heider de Los Ángeles con Jean-Pierre Janiaud , que se convertirían en compañeros de viaje,

“Aprendí mucho al producir estos discos. Rigor presupuestario, es decir, tienes un presupuesto de una discográfica y estás obligado a cumplirlo. No puedes quedarte días y noches en el estudio aunque tuviera tendencia a desbordarme. También el hecho de trabajar en estéreo. En el GRM trabajábamos en multicanal (…), es decir que había multitud de canales e información en la sala. El estéreo, extrañamente, para mí, fue una limitación. (…) También aprendí técnicamente a trabajar en un contexto diferente, con material y equipos que no tenía para nada, que no podía tener, lo que me permitió hacer prácticas en equipos electrónicos de alta gama y hacer mis gamas si Puedo decir eso. (Sesión de la Academia Red Bull, 16/05/2012) “Cuando estaba produciendo Juvet en Los Ángeles con músicos estadounidenses, para mí, salir del GRM fue como pasar de una bicicleta a un Ferrari. Y Oxygène se ha beneficiado de esta experiencia, este saber hacer”.

JMJ en Los Ángeles con la Juvet

Paralelamente a esta carrera como productor y letrista , Jarre continúa experimentando con los nuevos instrumentos que adquiere ( ARP 2600 , Eminent, etc.) y con la posibilidad de grabar y mezclar en los estudios que frecuenta. El camino está sembrado de nuevos intentos discográficos ( Cartolina , 1974, grabado en Ferber), pero ya va tomando forma un nuevo proyecto discográfico más ambicioso que sintetizará toda la práctica adquirida desde el GRM.

Hasta el origen de “Oxygene”

“Cuando hice [Oxygène, fue totalmente secreto. En ese momento, estaba trabajando más en el campo de la canción, con Christophe, en “Les Paradis perdus” luego en “Les Mots bleus”, con Françoise Hardy, Patrick Juvet… Además de eso, estaba haciendo cosas más experimentales, para  mí. Y luego hice este álbum que era realmente algo que quería. Me dije que pasara lo que pasara, yo estaba siguiendo un camino que era el mío. Lo digo con mucho respeto y cariño por la gente con la que he trabajado, pero para mí fue un poco de trabajo práctico hacia cosas que quería expresar por mi cuenta. No perseguía ningún grado de fama, sino algo bastante personal y, por cierto, cuando escuchas los discos “Les Paradis perdus” o “Les Mots bleus”, no está lejos de “Oxygène”.” .

https://youtu.be/7Cnz5nLSXiA

Jean-Michel Jarre comienza a trabajar en lo que se convertirá en “ Oxygène ” a partir de 1974, por lo tanto en paralelo con su colaboración con Christophe, Patrick Juvet, Françoise Hardy y Gérard Lenorman.

Se toma su tiempo, dos años, no solo por falta de tiempo libre, sino también porque no tiene el apremio contractual de estrenar algo rápido. Por lo tanto, se encuentra en un estado mental de total libertad en cuanto a su agenda, pero también en un estado de descuido también por la ausencia de una herencia de estilo, la música pop electrónica, que aún está en pañales.

Y seala

“Estoy muy agradecida con la vida, con el destino por haberme parido en un momento en que, cuando empecé en la música electrónica, casi no había nadie detrás y por lo tanto hay un descuido y una ligereza para abrir puertas a virgin. territorios. Este tipo de temeridad, de inocencia, creo, se nota bastante bien en “Oxygène”. Ese tipo de estado de inocencia, creo, es inherente a los primeros trabajos en todos los campos. Nunca más tendremos acceso a este primer gesto que se encuentra con el público, por una razón de la que no hablamos lo suficiente: te has tomado todo el tiempo que ha transcurrido desde tu nacimiento para lograrlo, mientras que la continuación nunca más se beneficiará del misma duración de maduración.”

La composición del álbum tomará forma sobre la base de varios dogmas iniciales: Jean-Michel Jarre quiere música instrumental, que es el vínculo entre un enfoque experimental y el pop; una música estructurada con impronta de cultura europea, electrónica pero impresionista y melódica, democrática, universal, y que habla a la sensibilidad.

Durante su aprendizaje en el trabajo sonoro en el GRM, Jean-Michel Jarre se apasionó por esculpir o cocinar el sonido de las máquinas. Por consejo de Schaeffer, se alejó de la música experimental de laboratorio y de la música contemporánea elitista, para conocer al público de la música pop, teniendo en cuenta en particular el aspecto melódico.

El GRM

“En el GRM, lo que contaba era el aprendizaje del sonido. Había un aspecto manitas. Este lado del descubrimiento sonoro de la “competencia Lépine” era realmente muy francés, muy atractivo. Al mismo tiempo, descubrí artistas como Soft Machine o Pink Floyd que, empíricamente, trabajaban un poco de la misma manera, privilegiando la textura del sonido. Pensé para mis adentros: ¿por qué no cerrar la brecha entre los dos? . Mi idea era claramente hacer el puente entre la música experimental y la música pop porque consideraba que la melodía era lo más importante, o una de las más importantes para la música, y eso no se podía ‘despejar’. 

Además, desde su primer disco “ La jaula ”, Jean-Michel Jarre se ha interesado por la música electrónica instrumental, sin cantante, principio básico que mantendrá a lo largo de su carrera, salvo contadas excepciones.

“Me interesaba intentar crear un vínculo entre la música experimental y el pop, pero sin letra. Siempre he pensado que la música es la forma de arte más interactiva, entonces, ¿por qué darle a tu música una imagen precisa? Por ejemplo, dos de nosotros en esta sala estamos escuchando la misma pieza musical, pero tenemos diferentes imágenes en nuestras mentes, y me encanta ese tipo de interacción con la música”.

El músico también desea estructurar su música como una obra clásica europea, a partir de su enseñanza de la composición en el Conservatorio. Le interesan las piezas largas con variaciones, con diferentes partes entrelazadas.

“También quería que mi música tuviera su propia identidad europea, ni blues ni raíces africanas .Cuando rockeas, sea cual sea el talento, nunca tendrás la misma legitimidad que los anglosajones. Los europeos tenemos nuestro propio estilo en la música electrónica. Primero nació en Francia y Alemania. Es música, con sus largas pistas instrumentales, que proviene de una tradición clásica”.

Sin embargo, Jarre también quiere destacarse de la joven escena electrónica alemana y su “apología de la máquina” al desestimar los ritmos mecánicos de Kraftwerk pero también el “ambiente” lineal de Klaus Schulze. Quiere fluidez, pero también variaciones, en una mezcla sutil.

“Teníamos visiones opuestas de la música electrónica. Tangerine Dream y Kraftwerk tenían un enfoque mecánico muy robótico. Tengo una visión más impresionista, un enfoque de Ravel o Debussy”. La idea de “Oxygène” era esa también, romper la exclusividad del ritmo. Lo que no quiere decir que me atrajera gente como Klaus Schulze o el gran Brian Eno, todo ese viaje hippy”. “Schulze tiene un estilo de composición extremadamente oriental, muy lineal; se entra en una atmósfera que se desarrolla sólo imperceptiblemente; nos mantenemos en la misma atmósfera de principio a fin. Intento tener un modo de composición mucho más vertical, es decir crear oposiciones, tensiones, contrastes”.

Oxygène.

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Contrariamente a la creencia popular, para “Oxygen”, Jean-Michel Jarre no estaba particularmente interesado en hacer un disco sobre ciencia ficción o el espacio, sino sobre la biosfera y la ecología, sobre los seres vivos y hombre. El concepto, por supuesto, se ve reforzado por la famosa portada de Michel Granger

“En ese momento, la música electrónica estaba realmente asociada con la idea de la ciencia ficción, pero para mí, no tanto. En el momento de Oxygène, no estaba pensando en el espacio en absoluto. Prefiero imaginar algo entre el cielo y la tierra, a diez metros del suelo en lugar de a cien kilómetros”.

Y define:

“Oxygène es el comienzo de una reflexión ecológica que no necesariamente tenemos mucho que tener. Mi música se ha asociado mucho al espacio y para mí está mucho más ligada al entorno. No es el espacio sideral sino el espacio vital y es algo que siempre me ha interesado mucho. Estaba muy involucrado en temas ambientales, los ambientalistas eran considerados en ese momento como neo-hippies y dulces soñadores. La ecología no le interesaba a nadie, la música electrónica menos, yo no estaba acorde con mi tiempo, no era políticamente correcto en cierto modo. “

Para expresarlo, Jarre elige sonidos suaves, la ausencia de percusión invasiva, salvo un tempo suave de rumba. Los sonidos de cuerdas, las evocaciones del viento, las olas, las gaviotas también recuerdan el mundo de los vivos y proporcionan una sensación de evasión y una bocanada de aire fresco, evitando la trampa del aburrido registro de “ambiente”. La mayoría de las secuencias están hechas con pequeñas irregularidades que también le dan humanidad al conjunto.

“Estaba obsesionado con la idea de que nunca dos sonidos en ‘Oxygen’ deberían ser exactamente iguales. Quería sentir un latido, algo humano”. Cada sonido, aunque parezca el mismo, tiene un ataque y una salida ligeramente diferentes, y como las secuencias están hechas a mano, por definición no son exactamente iguales. Incluso los sonidos de la caja de ritmos se han filtrado muy sutilmente para dar vida a los patrones”. 

Y defiende su idea:

“Oxygène” es, por lo tanto, un álbum conceptual, un enfoque que ha desarrollado desde sus colaboraciones con Christophe y Juvet. Es una obra en sí misma, con, como acabamos de mencionar, una idea rectora que le sirve de hilo conductor, y cuyas seis piezas se unen para formar una, que se refuerza con su denominación en “partes”.

La duración total del álbum, su estructura y sus secuencias fluidas están calculadas para el formato de vinilo de 33 rpm cuyas dos caras dictan un silencio entre las partes III y IV, como entre dos actos. El disco se construye y elabora como un fin en sí mismo, un disco de arte, sin preocuparse por el formato “single” o concierto.

Temas del álbum “Oxygen”

“El disco es un medio nuevo, como se compara el cine con el teatro. A nadie se le ocurrirá considerar el cine como un arte menor. En “Oxygène”, quise hacer una creación adaptada a este nuevo medio. Eso no significa que tengamos que hacer lo mismo en el escenario después. .Tendemos a vincular demasiado el escenario y el disco: creo que tenemos que separarlos. El registro es un modo de expresión por derecho propio”.

“Oxygen ” fue compuest0 y grabado en el pequeño estudio personal de Jean-Michel Jarre, instalado en una de las habitaciones , pero no en la cocina!)reformadas en un apartamento parisino situado en la rue de La Trémoille, cerca de los Campos Elíseos. Este modo de operación le viene dictado por la falta de medios para alquilar un estudio profesional, pero le da la libertad y el tiempo para hacer las cosas a su manera.

“Fui el primero en tener un estudio en casa y la gente pensó que estaba loco cuando me vieron haciendo música en casa. Si hacías música profesionalmente, necesitabas un estudio con cristal detrás del cual hay un ingeniero de sonido, que es el rey, y tú estás del otro lado, la víctima del tipo que lo dirige todo. No era en absoluto como quería trabajar”. 

El estudio de la rue de La Trémoille

A él conectó los pocos instrumentos electrónicos que poseía en ese momento, ofreciendo un abanico limitado de posibilidades pero que le exigían una gran inventiva e ingenio. En particular, usa pedales de guitarra para generar efectos.

“ En realidad fue una grabación casera, ya que realmente no tenía suficiente dinero. Solo tenía siete u ocho instrumentos, incluido un ARP 2600, un órgano Farfisa y la caja de ritmos Korg Minipops 7”. Una configuración minimalista con una selección de sonidos muy limitada porque había pocos instrumentos electrónicos en ese momento y eran muy caros”.

Los instrumentos utilizados para “Oxígeno” son los siguientes:

• Sintetizadores y teclados: ARP ‘2600’, EMS ‘VCS 3’, EMS ‘AKS’, sintetizador armónico RMI, Farfisa ‘Professional PP/222’, Eminent ‘310 U’, Mellotron ‘M400’
• Cajas de ritmos : Eko ‘Rhythm Computer’, Korg/Keio ‘Mini Pops 7’.
• Efectos : grabadoras Studer ‘Revox B77 MK II’, pedal Electro Harmonix ‘Electric Mistress’, pedal Electro Harmonix ‘Small Stone MK 1’.

El órgano Farfisa, Jarre lo tocaba desde los años 60 con sus bandas de rock.

Entre los sintetizadores, el VCS3 y el AKS son los primeros adquiridos por el compositor y sobre los que realizó sus primeros discos. El VCS3 da sus efectos de sonido que son una de las firmas de la música de Jarre y el AKS se usa principalmente para las partes vocales de soprano.

El Eminent y el Mellotron son instrumentos que conocía en los estudios de grabación ya que eran bastante populares en el rock y la variedad en ese momento. El Eminent produce los pads de cuerdas y el Mellotron lo utilizaba para los coros.

Y cuenta:

“Recogí un viejo Mellotron de Studio Ferber, la mitad del teclado del cual estaba roto. Así que las notas que uso en Oxygen son las únicas que funcionaron”.

En cuanto al Sintetizador Armónico RMI , fue Michel Geiss quien se lo recomendó. Las secuencias del arpegiador RMI son la firma sonora de la segunda cara del disco compuesta tras la adquisición de este instrumento.

La composición de los títulos se realiza en el caos de la lista de canciones final. Es la pieza que hoy constituye la parte 2 del álbum que se compone primero, luego la parte 1 y la parte 3. La segunda cara se compone en un segundo tiempo. Jarre a veces recurre a sus obras antiguas para encontrar algunas melodías pegadizas. Algunos verán cierta similitud entre el tema de la parte IV del álbum y el del famoso éxito Pop Corn , que Jarre había versionado unos años antes.

La grabación del álbum comenzó en agosto de 1976, justo después de la del álbum “ Mort ou vive ” de Juvet. Jarre solo tiene a su disposición un magnetófono de 8 pistas comprado de segunda mano. Trabaja solo, excepto que en septiembre se le une un acordeonista electrónico que toca todo lo ingenioso, que lo asistirá en la grabación y luego se convertirá en un colaborador crucial pero olvidado en los créditos del álbum: Michael Geiss.

“Estaba usando un Scully de ocho pistas y una mezcla de Ampex 256 y 3M. El álbum se hizo completamente en un solo 8 pistas y puedes escucharlo en las pistas: es bastante minimalista y creo que eso contribuye a su atemporalidad”.

La mezcla se lleva a cabo “en un fin de semana” en noviembre de 1976 por Jean-Pierre Janiaud , ingeniero de sonido de Juvet, y su asistente Patrick Foulon, en el joven estudio Gang. En otro estudio  vecino, Giorgio Moroder está trabajando en un disco de Donna Summer.

lEl estudio donde se grabó

Oxygène había sido grabado en 8 pistas en una Scully en JM Jarre en el estudio de su casa en París. Jean-Pierre Janiaud había transferido 8 pistas a 16 pistas en los estudios Vogue en Villetaneuse (hoy MidiLive) para hacer la mezcla en el estudio Gang. (

Luego, el grabado se confía a Translab, que acaba de crearse en las mismas instalaciones que Gang, que aún existen. Jarre concede especial importancia a estas etapas del proceso creativo, que supervisa personalmente.

“El artista puede sentirse realmente decepcionado al escuchar su disco a través del altavoz de una máquina de discos. Pero si está decepcionado, no es por el sistema, es por él mismo. Muchos artistas estadounidenses nunca se han molestado en saber cuál sería el resultado de su trabajo al final de la cadena, es decir, la salida del altavoz. Esta última puede considerarse la principal caja de resonanciade la música de nuestro tiempo.”

La foto de David Bailey para la contraportada

Finalmente, para el vestidor, Jean Michel Jarre optó por dos artistas relacionados con Charlotte Rampling que luego compartían la vida del compositor: para la espalda, David Bailey, fotógrafo de moda británico sulfuroso y descarado para quien la actriz posaba a menudo. Aficionado a la “naturalidad”, toma una foto muy simple de Jean-Michel Jarre vestido de calle, de pie, con las manos en los bolsillos, frente a una ventana de su apartamento en la rue de la Trémoille.

Para el anverso de la portada, la elección recayó en el pintor Michel Granger, entonces especializado en caricaturas de prensa, y cuyos lienzos Rampling desenterró en la galería Marquet de la rue Bonaparte; una acuarela rectangular realizada para la revista Pilote en 1972 y que representa un planeta Tierra desollado, cuya herida abierta revela un cráneo humano en medio de la carne.

Un día de septiembre de 1976, Jarre conoció al pintor en la galería Marquet. Acepta prestar su obra pero tiene que rehacerla, en acuarela, para rehacer el fondo y adaptarlo al formato cuadrado de la portada. Su título: “ Oxígeno ”…

El dibujo original “Oxígeno” de Michel Granger.

Y recordaba Jean Michel:

“Esta pintura me recordó de inmediato cómo debería ser la portada. Casi había terminado el disco, buscaba algo que no fuera una simple ilustración de oxígeno, ni una máscara de gas, ni una botella de aire comprimido… Entre la palabra Oxígeno, la calavera y el planeta desollado, todo encajaba perfectamente. Granger aportó mucho al disco, esta combinación perfecta entre la música, la portada y el mensaje subyacente”.

Y sentencia:

“Es difícil encontrar portadas grandes y, a menudo, las encuentras por casualidad. “Oxygen” es una gran portada y lo digo aún más porque no soy el autor, sino Michel Granger. Conseguimos la portada de un disco cuando no es una ilustración de la música sino que aporta algo más. Es como darle una capa extra. Podríamos haber imaginado una máscara antigás o una botella de oxígeno o un árbol… Y el hecho de que en este título haya una creación que te abre la mente y te hace ir en otra dirección, con lo que representa la contaminación, o el peligro de no respetar el medio ambiente, sigue siendo relevante, pero lo fue aún más cuando se lanzó el disco”. 

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